Dirceu Alves Jr. – Na Plateia

Grupo Folias coloca o gênio na balança em “Folias Galileu”

Também diretor, Dagoberto Feliz está no elenco da montagem inspirada em Brecht

Prepare-se para uma pequena excursão. Sentado realmente você vai ficar pouco nos quase 120 minutos de duração de Folias Galileu, a nova montagem do Grupo Folias. Inspirados na peça Galileu Galilei, de Bertolt Brecht, o diretor Dagoberto Feliz e o time de 23 atores recontam a história do italiano que, com base em observações de seu telescópio, descobriu que a Terra gira em torno do Sol. Perseguido pela Igreja Católica, o físico e astrônomo Galileu Galilei (1564-1642) renegou sua ciência para salvar a própria vida. E, nesse momento, entra em cena o homem. Ele que tem mãe, filha, inimigos e outras pessoas que pagam direta ou diretamente por suas ideias.

Os oitenta espectadores são divididos em grupos e passeiam pelas dependências da sede da companhia, localizada na Rua Ana Cintra, bem debaixo do Minhocão. A fachada, a portaria, o banheiro, o café, o camarim, o deposito de figurinos… Até o bar que fica do outro lado da rua. Tudo serve de ambientação para os 14 monólogos e 16 cenas que enfocam os embates pessoais e intelectuais do gênio, e o público, como se fosse um juiz da Inquisição, desenvolverá o veredicto com base nos depoimentos ouvidos. Na sua cabeça, longe dali, pensando e repensando.

Família, amigos, opositores, representantes do clero e da aristocracia subvertem a exatidão e expõem seus interesses em relação à Galilei.  O ótimo time de atores, que inclui Bete Dorgam, Carlos Francisco, Flavio Tolezani, Nani de Oliveira e Rodrigo Scarpelli, entre outros, faz com que cada uma dessas cenas se descortine para o espectador como uma peça diferente e, entre a reflexão e a criatividade, o Folias reafirma sua relevância. Cria mais um espetáculo e inquieta o público com sua mensagem. Além disso, o grupo sustenta a preocupação visível de inventar – para alimentar a fantasia daqueles que procuram teatro. Tudo sem frescura, humanista e social. Bem Brecht.

Bete Dorgam (ao centro) e a representação da aristocracia (Fotos: Cacá Bernardes)

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Cia. Teatro do Incêndio inaugura sede no Bixiga com “Baal”

Criada em 1996, a adaptação do texto de Brech volta reformulada para abrir o Teatro do Incêndio (Foto: Bob Sousa)

Durante o ano passado, eles esquentaram as noites de sexta e sábado do Madame Satã. A Cia. Teatro do Incêndio ocupou a lendária casa noturna da Conselheiro Ramalho com dois espetáculos bem interessantes, São Paulo Surrealista e São Paulo Surrealista 2: A Poesia Feita Espuma. A boa notícia é que o grupo dirigido por Marcelo Marcus Fonseca agora não vai mais ser um sem-teto na cidade das incontáveis companhias com sede própria. No dia 7 de junho, o Teatro do Incêndio abre as portas no próprio Bixiga, na Rua Santo Antônio, 723, quase esquina com a Conselheiro Ramalho. A sala de 96 lugares vai ser inaugurada com o espetáculo Baal – O Mito da Carne, que fará temporada nas sextas e sábados, às 21h, e domingos, às 19h, com ingressos entre R$ 25,00 e R$ 40,00.  Trata-se de uma nova versão da primeira montagem do grupo, adaptada da peça de Bertolt Brecht em 1996. São 12 atores e 14 músicos em cena. Tudo novo de novo para abrir as portas da casa nova.

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Francisco Cuoco e Ângelo Paes Leme ensaiam “A Vida no Teatro”

Ângelo Paes Leme e Francisco Cuoco estreiam texto de David Mamet em 14 de junho (Foto: João Caldas)

Poucas semanas atrás Manoel Carlos publicou uma belíssima crônica em VEJA RIO falando da diferença de um ator com experiência de palco. E citava Francisco Cuoco como exemplo de “homem de teatro”.  Com a imagem muito mais associada à televisão, Cuoco estudou na EAD dos tempos de Alfredo Mesquita, integrou o TBC e o Teatro dos Sete e participou da primeira montagem de O Beijo no Asfalto, de Nelson Rodrigues, em 1961. O galã das novelas falou mais alto para o público, mas, segundo o texto de Maneco, o ator sempre se comportou no vídeo como um profissional do palco. “Um homem de teatro é completo. O andar, o sentar-se. Os gestos cotidianos. A voz”, escreveu Manoel Carlos.

Sob a direção de Alexandre Reinecke, a comédia dramática A Vida no Teatro estreia em 14 de junho no Teatro Vivo. O texto do americano David Mamet fala justamente de tudo isso, da paixão pelo tablado, da troca de experiências entre gerações e de homens de teatro, jovens ou velhos. No centro da trama aparecem Robert e John, interpretados por Cuoco e Ângelo Paes Leme. O primeiro é um sexagenário, que vive do sucesso do passado e não abre mão de manias e opiniões fortes. Talentoso e promissor, o outro adora ouvir as histórias de Robert. As divergências não tardam a aparecer, e a dupla vê a necessidade de revisar posicionamentos e apurar a sensibilidade para tocar adiante o trabalho. A temporada está prometida para sextas, às 21h30, sábados, às 21h, e domingos, às 18h, até 4 de agosto. Os ingressos saem por R$ 50,00 (sex. e dom.) e R$ 60,00 (sáb.).

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Hugo Possolo fala sobre a vida de cachorro em “Eu Cão Eu”

Hugo Possolo estreia o monólogo no Auditório do Sesc Pinheiros (Fotos: Zeca Rodrigues)

Ator, palhaço, dramaturgo, provocador… Depois de Prego na Testa, Hugo Possolo volta a investir em um monólogo com Eu Cão Eu, que entra em cartaz no Auditório do Sesc Pinheiros no dia 24. Também autor do texto, ele interpreta um homem insatisfeito que passa a admirar um vira-lata e sua liberdade de andar pelas ruas. A direção é de Rodolfo García Vázquez, dos Satyros, em uma parceria inédita com o pessoal dos Parlapatões. Nesse bate-papo, Possolo divagou bem, como ele mesmo reconheceu, então deixei o cara falar…

Cada espetáculo deve ganhar a cena por ter algo a dizer. Qual é a provocação da vez?

Para mim, teatro é pensamento. Expressão de ideias e sensações vivas que possibilitam gerar alguma reflexão. Se, com a arte, interferirmos na vida da sociedade, ganhamos a potência da provocação. E é mais ampla e prazerosa a provocação quando sedutora e não imposta goela abaixo do público. Eu Cão Eu é uma vertente diferente e bem forte de minha dramaturgia, já que é um drama, embora não se prive do humor, que tenta pensar o homem a partir de seus vícios. O prazer de seguir um cão transforma a vida desse homem, e ele depara com os desafios da perda de tudo que tinha ao seu redor. Acredito que muitas pessoas, por diferentes razões, venham a se identificar com esse anti-herói urbano.

Eu Cão Eu é o espetáculo que mostra esse sufoco geral, essa falta de liberdade, essa patrulha contínua? 

“Politicamente correto” é apenas um eufemismo para moralismo. A peça fala da busca da liberdade dentro de prazeres individuais que, contraditoriamente, retiram a humanidade do sentido de convívio e a submetem cada vez mais ao consumismo imediato. Não é uma peça sobre esse tema específico, mas uma metáfora que transita também por esse aspecto, no qual o moralismo vigente tenta, dissimuladamente, impor comportamentos conservadores para refrear qualquer possibilidade de pensamentos transformadores, questionadores ou críticos. A acomodação alienada é o retrato mais triste da globalização.

Oito anos separam Prego na Testa de Eu Cão Eu. O que mudou na visão de dramaturgo e de ator em relação ao homem na sociedade? Se é que algo mudou…

Aprendi muito com Prego na Testa pelas respostas do público, que entrava no jogo comigo me levando às últimas consequências de cada um daqueles personagens alucinados. Prego na Testa é um texto contundente sobre o homem em qualquer tempo, pois fala das dificuldades que cada um tem em se ajustar a uma sociedade injusta. Eu Cão Eu aborda como podemos nos desprender das amarras sociais, com consequências que tanto libertam quanto aprisionam. Ambas as peças são cargas fortes de contradições, embora com ângulos distintos de abordagem. São conflitos assim, muito teatrais, que movem meu trabalho, pela inquietação, pelo que vou percebendo do mundo, cujas constantes mudanças colocam a humanidade sempre em xeque.

Em Prego na Testa, você apresentava personagens considerados politicamente incorretos. Para criar Eu Cão Eu você adotou uma visão mais lírica, mais metafórica ou não mudou em nada o seu estilo?  

O Prego na Testa teve alterações grandes de texto feitas pelo Aimar Labaki e por mim. Tanto que, muitas vezes, brincamos de colocar em dúvida o que era do Eric Bogosian e o que era nosso. O texto dele tinha mais de dez anos quando estreamos e já tinha causado muitos efeitos em Nova York. Aqui não foi diferente, pelo tom aguerrido com que encarei a tarefa, muitas vezes deixando que as visões das personagens se confundissem com as minhas, me deparei com o reacionarismo e preconceitos de toda a espécie. É da minha alma me confrontar ao pensamento conservador. Creio que em Eu Cão Eu esse espírito permanece, mas a personagem única e melancólica, por vezes submissa, muito diferente do que sou, enfrenta outros desafios e aponta para outros rumos. Eu não queria fazer um novo solo apoiado em fórmula, ao contrário, procuro sempre algo que me desafie.

Possolo interpreta um homem entediado que inveja a liberdade de um cachorro

O Brasil daquela época talvez fosse um pouco mais otimista, existia uma esperança depositada na fase inicial do governo Lula, e Prego na Testa já era pessimista. Hoje vivemos tempos mais desiludidos, para o teatro, para o humor, para a sociedade. Isso facilita ou dificulta sua vida?

Não acho que o Prego na Testa seja pessimista e, sim, um confronto com o modo de vida da classe média, suas contradições e sua perspectiva assustada diante das mudanças sociais sobre as quais não tem – ou não quer ter – domínio. Por outro lado, percebo, sim, uma certa desilusão entre artistas, humoristas diante da falta de visão crítica da realidade que percorre algumas pessoas, a mídia, os intelectuais e, por consequência, as obras artísticas. Não vejo nada disso como dificuldade, pois quando escolhi ser artista sabia que tinha escolhido um caminho onde a ousadia e a coragem seriam necessárias. O mais importante é observar ao máximo a realidade, analisar o contexto, ter sensibilidade de aprender a cada momento para ter o poder expressivo que levante dúvidas que toque a alma do público.

A tecnologia pode ser uma aliada ou uma inimiga do humor?

A tecnologia veio mais para abrir caminhos que para anular espaços conquistados. O humor ganhou velocidade e, acredito, se democratizou mais, onde várias pessoas fazem piadas e comentários cômicos pelas redes sociais. Talvez o que ainda assuste é que muitos confundem humor com agressão ou humilhação, mas acredito que com o tempo todos iremos aprender a lidar com essa comunicação. Aliás, a própria forma expressiva vai gerando parâmetros e se estabelecendo naquilo que, apesar de ser um jogo complexo de relações, possibilitará novas convenções sociais que ainda serão assimiladas.

Uma parceria com os Satyros no palco finalmente. O que de novo o Rodolfo trouxe para o espetáculo? Ele que tem um pé muito forte na encenação, no visual…

A parceria entre Parlapatões e Satyros finalmente ganha uma encenação! Nossa proximidade ultrapassa a batalha cotidiana pela Praça Roosevelt e se consolidou em vários projetos, em especial, pela criação da SP Escola de Teatro. Essa integração artística é resultado de um sentido estético que vai além da blague entre forma e conteúdo para centrar-se no sentido social, político e histórico do teatro. Em Eu Cão Eu, Rodolfo criou um ambiente fortíssimo para a primeira leitura do texto feita pelo Gustavo Machado. Eu queria que o Gustavo fizesse a peça, mas a agenda dele, lotada de compromissos, não permitia. Até que o Rodolfo me convenceu de que deveria ser eu mesmo. Nos ensaios, o Rodolfo foi, aos poucos, retirando os recursos de apoio e jogando cada vez com a crueza da cena. A interpretação foi trazida à tona e os elementos visuais foram sendo abandonados. Fiquei um pouco surpreso, confesso, mas entendi o processo de ensaios como o treino para um salto mortal, que muito se quer e muito teme, mas que dá imenso prazer em realizar.

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Bob Wilson estreia “A Dama do Mar” com elenco brasileiro

Os atores Bete Coelho e Helio Cicero na montagem que chega ao Sesc Pinheiros no dia 25

Em abril do ano passado, o primeiro post desse blog trouxe a crítica do espetáculo A Última Gravação de Krapp, monólogo dirigido e protagonizado por Robert Wilson no Sesc Belenzinho. Naquela visita a São Paulo, o grande encenador americano começou a dar forma a uma parceria com o Sesc para criar uma montagem com atores brasileiros. Muita gente boa passou por concorridos testes, divididos em várias etapas. O resultado começa a ser conhecido. Com adaptação de Susan Sontag, o clássico do norueguês Henrik Ibsen A Dama do Mar ganha o palco do Teatro do Sesc Santos hoje e amanhã, às 21h. Em São Paulo, a estreia está prometida para sábado (25) no Sesc Pinheiros – Teatro Paulo Autran, com sessões nas sextas, às 21h, nos sábados, às 20h, e nos domingos, às 18h, até 7 de julho. Os ingressos custam R$ 40,00 e podem ser adquiridos nas bilheterias das unidades do Sesc. Corram!

Bete Coelho, Helio Cicero, Ligia Cortez, Luiz Damasceno e Ondina Clais Castilho foram os aprovados no vestibular de Bob Wilson, que também assina a iluminação e a cenografia da produção já vista na Itália, Coreia, Polônia e Espanha com atores locais. Na trama, a condição feminina na sociedade é discutida através da personagem Elida Wangel (papel dividido pelas atrizes Ligia Cortez e Ondina Clais Castilho). Ela é uma charmosa burguesa que se casou com um amoroso viúvo, mas não consegue esquecer do fogo de uma paixão do passado e coloca em risco a estabilidade do presente.

Helio Cicero diante do cenário criado e iluminado por Bob Wilson (Fotos: Divulgação)

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Nilton Bicudo reabre o consultório sentimental de Nelson Rodrigues com o monólogo “Myrna Sou Eu”

Nilton Bicudo como a conselheira rodriguiana (Foto: João Caldas)

Em 2002, eu descobri Myrna e Não se Pode Amar e Ser Feliz ao Mesmo Tempo. Confesso que o livro escrito por Nelson Rodrigues sob esse pseudônimo feminino me deixou meio obcecado. Comprei diversos exemplares e presenteei quase uma dezena de amigos, acreditando que os solteiros (como eu, na época) se consolariam com a máxima do título. Bem, mas vamos voltar para a notícia… A partir de 22 de maio, a conselheira sentimental rodriguiana vai estar personificada diante de mim – seu fã ainda hoje – e do público através do ator paulistano Nilton Bicudo. Com dramaturgia e direção de Elias Andreato, o monólogo Myrna Sou Eu entra em cartaz no Teatro Augusta nas quartas e quintas, às 21h, até 27 de junho, com ingressos a R$ 40,00.

Myrna nasceu da necessidade de Nelson Rodrigues de levantar uma grana extra, fantasma que o perseguiu vida afora. Durante dois anos, o autor de Vestido de Noiva assinou com a identidade feminina uma coluna no jornal Diário da Noite. Lá, entre as dicas sentimentais, ele destilava ironia sobre os relacionamentos dos casais e peculiaridades do universo de homens e mulheres, carregado de acidez e um tanto de pessimismo. No palco, Myrna agora lança seus conselhos através de um programa de rádio e, como corações carentes nunca saem de moda, tem tudo para arrebatar novos admiradores.

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Denise Fraga e a expectativa de apresentar “Chorinho” na Virada Cultural

Claudia Mello e Denise Fraga na peça que poderá ser vista no domingo (19) na Praça Roosevelt (Fotos: João Caldas)

Carioca com a cara de São Paulo, a atriz Denise Fraga é uma das atrações da Virada Cultural, que se realiza no final de semana. Ao lado de Claudia Mello, ela apresenta a comédia dramática Chorinho no palco montado na Praça Roosevelt no domingo (19), às 15h30. Em cena, Denise interpreta uma moradora de rua que passa os dias em uma praça e inicia uma inusitada relação de amizade com uma aposentada rabugenta (papel de Claudia).

Quais as expectativas para essa apresentação na Virada Cultural? Como se dá para o ator essa comunicação com uma plateia realmente diversifica e capaz das mais diferentes reações?

Os moradores de ruas podem encontrar esse espelhamento, essa identificação com vocês? E ainda mais por você interpretar um personagem talvez próximo à realidade dessas pessoas, entende?

Claro, também tem isso. Tem muita gente que mora na rua vendo a Virada Cultural. Foi lindo ver a reação deles quando fizemos o Sem Pensar no ano passado. Como eu disse, é bonito estar ali no ” cenário perfeito”. Tomara que nossos “iguais” acreditem na gente e ainda sejam tocados pela beleza, sabedoria e poesia do texto do Fauzi Arap.

Existe alguma estratégia para prender a atenção de um público tão grande e naturalmente mais disperso?

Acho que há uma dispersão natural, mas fiquei impressionada com a reação concisa da plateia nas horas de risada do Sem Pensar. É um evento que exige concentração máxima, tudo exposto, mais barulho, enfim… Mas fico num estado de extrema felicidade por isso mesmo.  Parece um show de rock.  É uma experiência que acho que todo ator deveria ter.

Para o ator existe alguma diferença ao falar para uma plateia de cem pessoas, mil pessoas ou essa infinidade que deve ver vocês no domingo da Virada?

Tudo fica maior. Você não vê ninguém, só uma multidão. Dá um super frio na barriga. Mas quando você sente que eles estão ali, concentrados em você, percebe que precisa contar a sua história independente do lugar onde está.

Denise Fraga interpreta uma moradora de rua na comédia dramática escrita por Fauzi Arap

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A crítica de João Apolinário e um relevante registro do teatro paulistano

Poeta e jornalista, o português João Apolinário tem seus ensaios reunidos em dois volumes que serão lançados na quarta-feira (15)

Um jeito de escrever direto, sem meias palavras, tão enfático e explícito que era capaz de ser compreendido pelo leitor minimamente letrado. Assim podiam ser definidos os textos do crítico teatral João Apolinário Teixeira Pinto (1924-1988) publicados na Última Hora. Jornalista e poeta português, ele viveu em São Paulo entre dezembro de 1963 e abril de 1975. O livro A Crítica de João Apolinário – Memória do Teatro Paulista de 1964 a 1971 reúne 332 ensaios e 329 imagens. Dividida em dois volumes, a obra faz um relevante registro do que foi visto nos palcos paulistanos nesse período inicial da ditadura militar e também da carreira de nomes célebres como Paulo Autran, Maria Della Costa, José Celso Martinez Corrêa, Fernanda Montenegro e Gianfrancesco Guarnieri. O lançamento está marcado para a quarta (15), às 20h, no Tuca, em Perdizes. E que seja redescoberto um estilo de crítica que também passa pela revolução social, cultural e política.

Entrevista:

Maria Luiza Teixeira Vasconcelos, historiadora, viúva do jornalista e organizadora de A Crítica de João Apolinário – Memória do Teatro Paulista de 1964 a 1971.

Por que é tão importante trazer à tona os textos de João Apolinário?

Apolinário escrevia de uma forma singular, de um jeito muito próprio. Sempre foi um homem extremamente culto e jamais usou uma linguagem acadêmica. Ele se valia de noções de método e de sua bagagem filosófica para explicitar ideias em relação aos espetáculos. E isso levava qualquer leitor a entendê-lo.

Qual era o método dele para tornar a leitura tão acessível?

A linguagem era muito próxima do coloquial. Assim como na vida, Apolinário era muito enfático como crítico. Por isso, o leitor jamais ficava em dúvida se ele gostou ou não de um espetáculo. Apolinário se apoiava em uma tese e dava a antítese, que representava a ideia do encenador do espetáculo. Para fechar o artigo, trazia uma síntese, que é a interpretação do crítico. O Apolinário não analisava o texto escolhido pelo grupo, analisava a encenação proposta para aquele texto.

Apolinário chegou ao Brasil fugindo da ditadura portuguesa. O golpe militar de 1964 veio três meses depois. Isso deve ter causado um forte abalo, não?

A vida dele foi muito irônica e de uma perversidade tremenda. O mais terrível é sua chegada ao Brasil em dezembro de 1963 com o sonho de respirar ares de liberdade pela primeira vez. Afinal, ele nasceu em 1924 já sob uma ditadura. Teve pouco mais de três meses para desfrutar disso por aqui. Mas por outro lado essa bagagem cultural aliada à vivência política foi um grande diferencial como jornalista.

Gianfrancesco Guarnieri e Myriam Muniz na peça Tudo de Novo, peça analisada em 1970

O estilo dele era diferente do de Décio de Almeida Prado e Sábato Magaldi, dois dos nossos maiores críticos, mas de uma formação mais elitista, não?

Sem dúvida, era um contraste. Os textos de Décio de Almeida Prado e Sábato Magaldi conversavam diretamente com um leitor de tradições teatrais, de elite. Apolinário costumava dizer aos seus leitores: “você faz parte da mesma elite que eu faço, mas eu falo com uma linguagem que todos podem entender”. Ele queria tentar levar também um outro público ao teatro.

Você o acompanhava na rotina de ver peças de teatro?

Apolinário começou a fazer parte da minha vida como crítico em 1967. Antes já lia algumas coisas no jornal, claro, mas tinha outra percepção. Eu o acompanhava ao teatro sempre que podia. Só faltava nas duas noites em que dava aulas. Nas demais, eu me adequava a sua agenda. Se havia cinco peças na semana, lá estava eu também. Foi uma experiência muito interessante e proveitosa como professora de História. E acredito que para meus alunos também.

João Apolinário em sua máquina de escrever: crítico enfático (Fotos: Arquivo Pessoal)

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Luiz Villaça simplifica o sonho do machão em “A Descida do Monte Morgan”

Lavínia Pannunzio, Ary França e Lu Brites em "A Descida do Monte Morgan" (Foto João Caldas)

Há dois anos, o cineasta Luiz Villaça estreou na direção teatral com Sem Pensar, texto escrito pela adolescente inglesa Anya Reiss, e protagonizado por sua mulher, a atriz Denise Fraga. O diretor despertou o interesse de uma plateia maior ao elevar muito bem o desabafo pueril de uma garota a um curioso painel das relações entre pais e filhos.

Agora, na segunda investida nos palcos, Villaça foi mais ambicioso e buscou uma peça do grande dramaturgo americano Arthur Miller (1915-2005), inédita no Brasil e também aberta para múltiplos enfoques. Em A Descida do Monte Morgan, cartaz do Teatro Nair Bello, Lyman Fel (interpretado por Ary França) é um homem de negócios que sempre condenou a hipocrisia social e pautou a vida em defesa da verdade.

A iminência da morte, depois de sofrer um acidente de carro, traz à tona um incoerente segredo guardado há quase uma década: ele é casado simultaneamente com duas mulheres. Theodora (representada por Lavínia Pannunzio) e Leah (papel de Lu Brites) moram em cidades diferentes e têm personalidades completamente opostas. Na cabeça do marido, elas são complementares. É possível ser fiel a si mesmo e aos outros? Esse é o questionamento do machão dividido, mais preocupado com a possibilidade de seu sonho de vida ideal.

Como o terreno da comédia dramática é sempre fértil para trabalhar diferentes enfoques, Villaça pegou uma história provocativa e capaz de promover grandes reflexões e lhe deu uma leitura de desenho mais leve e simplificada. Não a torna menos saborosa e ainda facilita a atenção do público. Colabora muito para isso o acento cômico da atuação de Ary França, convincente, mas sem uma intensidade dramática que renderia melhor. A densidade esperada fica nas mãos de Lavínia e Lu Brites. Elas trazem para a cena a dor e a decepção que envolve a grande contradição desse sujeito. Como pode uma pessoa tão devota da verdade ter se tornado egoísta a ponto de magoar quem mais ama por causa de uma mentira? Machismo ou amor por duas mulheres levado até o fim? No elenco ainda aparecem em desempenhos afinados os atores Fábio Nassar, Ju Colombo e Paula Ravache. Villaça fez uma opção que, mais uma vez, pode ampliar plateias. O grande destaque, no entanto, é o texto de Arthur Miller, escrito em 1991, que, mesmo em versão light, mantém o encanto.

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“Toc Toc” faz cinco anos em cartaz. Parece que foi ontem

O elenco original em maio de 2008: Flávia Garrafa, Márcia Cabrita, Sergio Guizé, Rosane Gofman, Marat Descartes e Riba Carlovich (Foto: Piu Dip)

Extrair graça de temas delicados mostra-se sempre um risco: pode beirar a grosseria ou simplesmente não divertir. Grande sucesso na França, a comédia Toc Toc, escrita em 2005 por Lauren Baffie, apresenta personagens portadores de TOC, o transtorno obsessivo-compulsivo, na sala de espera de um consultório. Como o médico nunca aparece, a solução é iniciar uma terapia grupal para enfrentar a ansiedade.

Foi mais ou menos esse o início do texto publicado na edição de VEJA SÃO PAULO de 4 de junho de 2008, em que comentei a montagem dirigida por Alexandre Reinecke. A primeira sessão aberta ao público se deu em 10 de maio, no Teatro Cultura Artística – Sala Rubens Sverner, e ali começava a história de um grande sucesso dos palcos paulistanos. Nesses cinco anos, a comédia ainda cumpriu temporada no Rio de Janeiro e passou por outras oito cidades. O Teatro Cultura Artística foi destruído por um incêndio em agosto, três meses depois. Em busca de um espaço, Toc Toc transferiu-se para o Teatro Gazeta, de programação oscilante e dominado por cadeiras vazias. A regra teve sua exceção. Toc Toc formou filas pela Avenida Paulista, e o Gazeta virou um concorrido palco de comédias.

O tempo passa, milhares de peças – cheias de boas ou más intenções – entram e saem de cena o tempo inteiro, e Toc Toc continua firme e forte, desta vez no Teatro Bibi Ferreira. Já foram mais de 380 mil espectadores. Do elenco original, aquele que pisou no palco do Culturinha em maio de 2008, restou só Carolina Parra, que vivia a secretaria do médico e, hoje, interpreta Lili, representada por Flávia Garrafa nos primeiros dois anos. Lembra? A menina que repetia as frases o tempo inteiro. Andrea Mattar, Dídio Perini, João Bourbonnais, Cris Bonna, Ithamar Lembo e Laura Carvalho formam a escalação atual. Além de Flávia, o primeiro elenco trazia Márcia Cabrita, Rosane Gofman, Marat Descartes, Sergio Guizé e Riba Carlovich. “Fiz uma conta rápida de cabeça e foi uma média de 30 atores”, diz Alexandre Reinecke. “Alguns personagens tiveram três intérpretes, outros quatro ou cinco e apenas um, o Vincent, que foi lançado pelo Marat, teve seis”, completa o diretor. Entre esses nomes estão Sandra Pêra, Angela Barros, Giuseppe Oristânio, Ariel Moshe, Cynthia Falabella, Paulo Ivo, Ravel Cabral e Gustavo Vaz.

Já viu? Quer ver de novo? Toc Toc ocupa o Teatro Bibi Ferreira, na Avenida Brigadeiro Luís Antônio, nas sextas, às 21h30, sábados, 21h, e domingos, 19h, com ingressos a R$ 60,00 e R$ 70,00. E agora fica a pergunta? Qual é o segredo do sucesso de Toc Toc? Tenho meu palpite. Vivemos em um tempo em que muitas pessoas deixaram o juízo perfeito para trás. O que mais existe é gente dominada por compulsões e fazendo vistas grossas. Então elas devem gostar de ver uma peça divertida e bem dirigida para rir das manias alheias, não?

O elenco atual: Dídio Perini, João Bourbonnais, Andrea Mattar, Carolina Parra, Ithamar Lembo e Cris Bonna (Foto: Eduardo Tarran)

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